Пояснительная записка темой данной методической разработки являются основные принципы работы над классической сонатной формой в средних и старших классах (4-6 класс) специального фортепиано в детских школах искусств




Скачать 251.85 Kb.
Дата17.03.2016
Размер251.85 Kb.


ПОЯСНИТЕЛЬНАЯ ЗАПИСКА

Темой данной методической разработки являются основные принципы работы над классической сонатной формой в средних и старших классах (4-6 класс) специального фортепиано в детских школах искусств.

Целью этой разработки является: формирование у обучающихся знаний о строении сонатного цикла, об основных стилистических особенностях классических сонат, на примере фортепианной сонатины C-dur № 1, ч. I и сонаты C-dur № 15, ч. I В.А. Моцарта.

Здесь рассмотрены текстовые и стилистические особенности фортепианного сонатного цикла.

Задачи данной разработки состоят в том, чтобы воспитывать у обучающихся внимательное отношение к одной из главных форм в музыкально-педагогическом репертуаре, также точность выполнения всех деталей текста, ритмическую устойчивость исполнения, чувство классической формы, пробудить интерес к классической музыке, развивать правильный художественный вкус на основе произведений классической сонатной формы.

В разработке данного урока применен принцип комбинирования, т.е. теоретический материал представлен наряду с практическим объяснением представленных произведений.

Подготовительным этапом к сонатам И. Гайдна, В. Моцарта и Л. Бетховена служат классические сонатины. Они знакомят обучающихся с особенностями музыкального языка периода классицизма, воспитывают чувство классической формы, ритмическую устойчивость исполнения. Вследствие этого, классические сонатины полезны для воспитания таких качеств, как ясность игры и точность выполнения всех деталей текста.

В связи с этим работа над сонатиной будет рассматриваться, как подготовительный этап в работе с классической сонатой в дальнейшем.

В данной методической разработке будут показаны два урока, которые являются взаимосвязанной последовательностью, иллюстрирующей работу, которую можно проделать в данном контексте, со смежными целями и методами.

Работа над сонатиной проводится с обучающейся 4 класса специального фортепиано, над сонатой – обучающейся 6 класса той же специальности.



Наумова И.Ю., преподаватель специального фортепиано,

МБОУ ДОД «Детская школа искусств № 2 г. Курска»

Основные принципы работы над классической сонатной формой на примере произведений представителя венских классиков

Вольфганга Амадея Моцарта

(Сонатина C-dur, № 1, I часть)

Цель урока:

  • Образовательные:

  • формирование и закрепление знаний об особенностях классической сонатной формы;

  • показ основных этапов работы над сонатиной C-dur № 1, ч. I, исходя из основных принципов работы над классической сонатной формой;

  • Развивающие:

  • развитие аналитических способностей в области музыкального мышления;

  • развивать умение выделять главное в работе над музыкальным произведением.

  • Воспитательные:

  • способствовать гармоничному воспитанию личности обучающегося;

  • воспитание умения внимательно относиться к замыслу композитора и уважения к классическому музыкальному наследию;

  • способствовать развитию эстетического художественного вкуса, на основе исполнения классической музыки.

Тип урока: комбинированный урок.

Форма урока: индивидуальная.

Методы: словесные, наглядные, практические, здоровьесберегающие, исследовательские.

Технологии обучения: личностно-ориентированное обучение, технология активного обучения.

Оборудование: компьютер, презентация, нотный материал, музыкальный инструмент – фортепиано.

Этапы урока:

  1. Организационный момент.

Эмоциональный настрой, сообщение темы урока и цели.

  1. Введение в тему.

Беседа о классической сонатной форме, ее стилистических особенностях, о строении сонатного цикла, о классической сонатной форме в творчестве композиторов венской классической школы.

  1. Основная часть.

Работа с обучающимся над первой частью сонатины C-dur № 1, ч. I В.А. Моцарта с учетом основных принципов работы над сонатной формой и стилистическими особенностями произведений композитора.

  1. Подведение итогов урока. Саморефлексия.

Ход урока:

  1. Организационный момент.

Классицизм (с латинского – «образцовый») – художественное течение в культуре европейских стран XVII – XVIII вв.

Представители классицизма стремились к созданию ясных и гармоничных по форме, возвышенно–благородных героических произведений, опирающихся на сюжеты и лучшие образцы античного искусства.



Классическая музыка:

В значении качественной оценки: музыка прошлого, выдержавшая испытание временем и имеющая аудиторию в современном обществе (вершины высокого музыкального искусства).

В узко историческом смысле: музыка второй половины XVIII – начале XIX веков («Традиционная классика»).

В типологическом смысле: так называемая «Академическая музыка», находящаяся в отношении преемственности к сформировавшимся в Европе (XVII – XIX вв.) музыкальным жанром и формам.

По стилистике и идейной направленности к классицизму примыкает творчество композиторов венской классической школы (И. Гайдн, В.А. Моцарт, Л. Бетховен).

(слушание музыки клавесина, просмотр презентации)

В камерных собраниях, которые устраивались и при дворах, и в городских домах, все чаще в XVII веке раздается звучание клавесина. Звук его ни силой, ни певучестью не мог сравниваться со скрипкой или органом, но в прозрачном, хрупком и вместе с тем звонком тембре клавесина была своя, особенная прелесть. Для клавесина писали французы Купперен и Рамо, знаменитый итальянский виртуоз Доменико Скарлатти. Сонаты Скарлатти стремительно подвижные и звонкие стали примером и образцом для великих композиторов XVIII века.

Есть композиторы, музыка которых и в наши дни восхищает, возвращает к жизни, лечит. Удивительнее всего то, что создана эта прекрасная музыка была очень давно композитором Вольфгангом Амадеем Моцартом. Имя это известно всему миру. Годы жизни: 1756 – 1791.

Представитель венской классической школы, музыкант универсального дарования, проявившегося необычайно рано, в шесть он уже выступал с концертами по всей Европе. Играл на клавесине, скрипке, органе, проявил себя как дирижер. Правдивость и психологическая проникновенность его музыки сочетались с доступностью, а также с изяществом. Обладал выдающимся мелодическим даром. Уже к 15 годам был автором большого количества инструментальных сочинений и 4 опер. Большое влияние на творчество Моцарта оказало то, что с раннего детства он путешествовал по Европе. Был в Италии, Франции, Германии, Англии.





  1. Введение в тему.

Сонатный цикл – многочастная сонатная форма, в которой хотя бы одна часть (обычно I) написана в сонатной форме.

Типичное строение сонатного цикла – IV части:



  1. Сонатное Allegro (драматический центр цикла);

  2. Медленная часть (лирико-созерцательная);

  3. Scherzo (до Л. Бетховена – «Менуэт»), носящее характер интермедии;

  4. Оживленный и торжественный финал – жизнеутверждающее завершение цикла.

Отдельные части объединяются общим замыслом (через борьбу, сложные раздумья и драму чувств – к победе). Встречаются сонаты в виде неполного цикла и одночастные, сохраняющие наиболее характерную часть цикла – сонатное Allegro.

Форма сонатного цикла определилась во второй половине XVIII века в творчестве И. Гайдна, В. Моцарта, Л. Бетховена и претерпела в дальнейшем значительные изменения.

Форма сонатного цикла применяется почти исключительно в инструментальной музыке. Если кантата предназначалась для вокального исполнения, то соната – для инструментального.

Если сравнивать сонату с литературным жанром, то больше всего подойдет сравнение с романом или повестью. Подобно им, соната делится на несколько глав – частей. Подобно роману или повести, соната населена различными «героями»: музыкальными темами. Темы эти непросто следуют одна за другой, а взаимодействуют, влияют друг на друга, а иногда и вступают в конфликт.



Сонатное Allegro:

  1. Экспозиция (от латинского «Expositio» - показ) – завязка действия. В ней излагаются: главная партия (с некоторым развитием и связующей частью), побочная партия и заключительная часть (переход к разработке). Чаще всего эти партии контрастны.

  2. Разработка – драматический центр сонатной формы; сопоставление; столкновение и широкое развитие тем. Они расчленяются на короткие мотивы. Сталкиваются, переплетаются одна с другой, видоизменяются. В конце разработки состояние неустойчивости, борьбы достигает высшей точки – кульминации – требует разрядки, успокоения. Их приносит реприза (III).

В ней происходит повторение того, что было в экспозиции, но с изменениями, вызванными разработкой. Все музыкальные темы сонаты в репризе появляются в одной основной тональности («зеркальная»). Иногда завершает I часть кода. В ней проходят отрывки наиболее важных тем части, еще раз утверждается основная, «победившая тональность».

Подготовительным этапом к сонатам И. Гайдна, В. Моцарта и Л. Бетховена служат классические сонатины. Они знакомят учащихся с особенностями музыкального языка периода классицизма, воспитывают чувство классической формы, ритмическую устойчивость исполнения. Вследствие этого, классические сонатины полезны для воспитания таких качеств, как ясность игры и точность выполнения всех деталей текста.



Сонатина – соната, отличающаяся малым размером, простотой содержания, небольшой разработкой или ее отсутствием.

Основные принципы работы над сонатной формой неотъемлемо связаны со стилистическими особенностями автора.

Сонатины В. Моцарта принадлежат к лучшим образцам этого жанра. Присущая им эмоциональная контрастность очень характерная для творчества композитора, нашла отражение в большом тематическом разнообразии (особенно allegro) и тем самым способствовала значительному развитию формы сонатины. Вследствие этого, при исполнении сонатин Моцарта отчетливо проявляется основная трудность – воплощение сонатной формы – выявление контрастных образцов и, наряду с этим, соблюдение единства целого.

Основой музыки Моцарта всегда является мелодия – ясная, простая и выразительная, сочетающая черты немецкой народной песенности и танцевальности с тягучестью итальянской оперной кантилены. Но наряду с этим, ему свойственны мелодии мужественного характера. В них отражается богатство внутренней жизни человека.



Дети занимаются поиском стихотворений, которые послужат иллюстрацией характера музыкального произведения.

  1. Основная часть.

Сонатина C-dur, № 1, часть I.

Экспозиция Сонатины C-dur выделяется исключительной цельностью и, вместе с тем, разнообразием тематического материала. Энергичные призывно фанфарные октавы в главной партии (начало) сменяются фразой задорно-шутливого характера. Вслед за этим возникают два лирических построения, внутри которых, в свою очередь, происходят смены настроения. Прелестная побочная партия полна типично моцартовской грации и задушевной лирики.

«Разработки», в настоящем смысле слова, в сонатине нет. Вместо нее дано измененной повторение экспозиции (это приближает сочинение по форме к, так называемой, старинной Сонате). В конце имеется Stretto, придающее I части более энергичный характер.

Важно, чтобы ученик сразу же почувствовал жизненную основу этой чудесной солнечной музыки.

После ознакомления с характером музыки и формой Сонатины, переходим к тщательной проработке отдельных тем и особенностей каждой фразы.

Вступительные октавы должны исполняться очень решительно и энергично. Их монолитность достигается «плотностью» звучания всех голосов.

Необходимо обратить внимание на отчетливое звучание баса, придающего этим октавам устойчивость и насыщенность.

Как советовал выдающийся пианист и педагог Иозеф Гофман, ученик А. Рубинштейна: «Легкие октавы – пользуйтесь кистью, при более тяжелых – полагайтесь больше на всю руку». Для кистевых октав, он советовал, низкое положение руки, для октав, играемых всей рукой – высокое. Рука и сустав, при этом, свободные и гибкие.



Второе построение требует остроты звучания и, не столько громкого звука (хотя f здесь сохраняется), сколько звонкого.

Добиваться нужно большой ровности звучания восьмых.

Если в первом построении учащиеся недостаточно берут бас, то во втором мало обращают внимания на верхний голос (теряется яркость и блеск). Перед третьим построением главной партии, контрастирующим с предыдущим, своим мягким певучим характером важна мгновенная исполнительская перестройка. Важно начать очень мягко, сделать дальше нарастающую звучность, но следует ясно представить внутреннее движение к кульминации.

При работе над четвертым построением важно проследить за разделением среднего и верхнего голоса (полифония, верхний голос – светлее и напевнее).

Работая над побочной партией, ученик знакомится с характером исполнения лирических мелодий Моцарта, требующих мягкой певучести, легкого «прозрачного» звука.

Важно почувствовать и выявить выразительное значение штрихов и пауз. Надо обратить внимание учащихся на очень типичное для моцартовских мелодий сопровождение в виде «альбертиевых басов».

Полезно указать на то, что сопровождение должно исполняться мягко, плавно, с чуть заметной опорой на бас и очень «прозрачно»: нижние звуки ни в коем случае не следует задерживать пальцами.

Ученик должен знать, что в классической сонате педаль используется мало. Так в сонатине, в побочной партии можно взять короткую педаль на половинных нотах. Педаль уместна и в октавах в главной партии, синкопированных аккордах в конце экспозиций и репризы. Но педаль не должна затушевывать ясность линий и сопровождения.

Работу над отдельными построениями необходимо в дальнейшем сочетать с их объединением. На данном этапе одной из важнейших задач в классических сонатинах является достижение темпового единства.

Темп должен обуславливаться задачами, стоящими перед исполнителем. Если метроном не указан, то рекомендуется руководствоваться своим собственным художественным вкусом и внутренним пульсом. Особенности ритмического рисунка также обусловливаются внутренним пульсом исполнителя. Громкий счет имеет, при этом, неоценимое значение – он развивает и укрепляет чувство ритма лучше, чем что-либо другое (И. Гофман).

Обучающийся должен услышать все детали своей игры и преодолеть недостатки. Необходимо приучать ученика не только констатировать неудачу, но и выяснить ее причину. Лучше всего вычленить наиболее сложные построения и работать над ними отдельно. Для слабых обучающихся упражняться необходимо в среднем и медленном темпах, подвинутые обучающиеся могут проигрывать в среднем и быстром темпах.

Параллельно с проникновением в идейное и эмоциональное содержание произведения и созданием на этой основе исполнительского замысла идет процесс его реализации, работа над достижением нужного характера звука, фразировки, над преодолением фактурных и иных трудностей.

Заключительный этап: задача собирания отдельных кусков в единое целое, выявление формы, кульминации (в разделах и главной кульминации всего произведения).

Итак, отметим наиболее важные принципы работы над сонатиной и стилистические особенности:



  1. Мелодизм произведения: «Мелодия – сущность музыки», - говорил сам Моцарт.

  2. Разнообразная артикуляция. Характерные короткие лиги («на одном дыхании»).

  3. Начало на сильном времени. Музыке Моцарта (как и Бетховена) свойственен хорей.

  4. В сонатине Моцарта не должно быть резких смешений света и тени, ярких динамических конфликтов пиано (p) и форте (f). Это всегда подготавливается crescendo и diminuendo.

  5. Важнейшей задачей в классических сонатинах является достижение темпового единства.

  1. Подведение итогов. Саморефлексия.

Обучающийся отвечает на следующие вопросы:

- Что заинтересовало на данном уроке? О чем хотелось бы узнать больше? Что с легкостью удавалось сделать? Что вызывало затруднения? Оцени свою активность на уроке по 5-балльной системе.



Наумова И.Ю., преподаватель специального фортепиано,

МБОУ ДОД «Детская школа искусств № 2 г. Курска»

Основные принципы работы над классической сонатной формой на примере произведений представителя венских классиков

Вольфганга Амадея Моцарта

(Соната C-dur, № 15, I часть)

Цель урока:

  • Образовательные:

  • формирование и закрепление знаний об особенностях классической сонатной формы;

  • показ основных этапов работы над сонатой C-dur № 15, ч. I, исходя из основных принципов работы над классической сонатной формой;

  • Развивающие:

  • развитие аналитических способностей в области музыкального мышления;

  • развивать умение выделять главное в работе над музыкальным произведением.

  • Воспитательные:

  • способствовать гармоничному воспитанию личности обучающегося;

  • воспитание умения внимательно относиться к замыслу композитора и уважения к классическому музыкальному наследию;

  • способствовать развитию эстетического художественного вкуса, на основе исполнения классической музыки.

Тип урока: комбинированный урок.

Форма урока: индивидуальная.

Методы: словесные, наглядные, практические, здоровьесберегающие, исследовательские.

Технологии обучения: личностно-ориентированное обучение, технология активного обучения.

Оборудование: компьютер, презентация, нотный материал, музыкальный инструмент – фортепиано.

Этапы урока:

  1. Организационный момент.

Эмоциональный настрой, сообщение темы урока и цели.

  1. Введение в тему.

Беседа о классической сонатной форме, ее стилистических особенностях, о строении сонатного цикла, о классической сонатной форме в творчестве композиторов в творчестве венской сонатной школы.

  1. Основная часть.

Работа с обучающимся над первой частью сонаты C-dur № 15 В.А. Моцарта с учетом основных принципов работы над сонатной формой и стилистическими особенностями произведений композитора.

  1. Подведение итогов урока. Саморефлексия.

Ход урока:

  1. Организационный момент.

Слушание музыки, просмотр презентации, определение темы занятия.

  1. Введение в тему.

Классицизм (с латинского – «образцовый») – художественное течение в культуре европейских стран XVII – XVIII вв.

Представители классицизма стремились к созданию ясных и гармоничных по форме, возвышенно–благородных героических произведений, опирающихся на сюжеты и лучшие образцы античного искусства.



Классическая музыка:

В значении качественной оценки: музыка прошлого, выдержавшая испытание временем и имеющая аудиторию в современном обществе (вершины высокого музыкального искусства).

В узко историческом смысле: музыка второй половины XVIII – начале XIX веков («Традиционная классика»).

В типологическом смысле: так называемая «Академическая музыка», находящаяся в отношении преемственности к сформировавшимся в Европе (XVII – XIX вв.) музыкальным жанром и формам.

По стилистике и идейной направленности к классицизму примыкает творчество композиторов венской классической школы (И. Гайдн, В.А. Моцарт, Л. Бетховен).

Первым представителем венской классической школы мы считаем Иозефа Гайдна. Его называли «Отцом симфонии и квартета». До И. Гайдна немало было написано и сонат, и симфоний, и квартетов, но только в его творчестве эти жанры становятся классическими (образцовыми). В своей музыке И. Гайдн широко использовал народные мелодии. Его произведениям присущи стройность и уравновешенность формы, светлый, жизнеутверждающий характер – это и дало право называть его музыку «классической». А поскольку жизнь композитора прошла в Вене, его называют «венским классиком».

Вена в то время, была одним из крупных музыкальных центров не только Австрии, но и всей Европы. Сюда съезжались лучшие композиторы того времени. На сцене Венского театра ставились оперы, симфонии и камерные произведения. Виртуозы соревновались в своем исполнительском мастерстве. Здесь жили и творили два великих современника И. Гайдна – всемирно известные В. А. Моцарт и Л. ван Бетховен.

Опираясь на достижения И. Гайдна в области сонатно-симфонической музыки, Вольфганг Амадей Моцарт внес и много нового, оригинального. Отличительной чертой творчества Моцарта является жизнерадостность, утверждение победы добра над злом. Его называли «первым виртуозом своего времени». Игра композитора отличалась большой проникновенностью, одухотворенностью и легкостью. Моцарта считают реформатором, родоначальником классической австрийской оперы. Вольфганг Амадей Моцарт обобщил и развил весь музыкальный опыт Европы XVIII века. Благодаря ему, изящное письмо «рококо» трансформировалось в гармоничную и мощную выразительность венского классического стиля, сохранившего, тем не менее, тон наивного очарования свойственного великому гению.

Классическая музыка достигла своей вершины в творчестве Людвига ван Бетховена. Композитор не только сумел воспринять все лучшее из того, что было достигнуто, но и сумел показать в своей музыке, что творцом всех преобразований является народ.

Соната

Соната (от итальянского «suonare» – играть на каком-либо инструменте, звучать) – произведение, написанное в форме сонатного цикла.

Классической Сонате, сформировавшейся в XVIII веке, предшествовали Триосоната и переходные жанровые формы Сонаты. В зависимости от назначения в доклассическом периоде развития сонатной формы можно различить два типа Сонаты:



  • Камерную (для концерта);

  • Церковную.

Вначале Соната была чисто итальянским жанром и предназначалась для скрипичного семейства. Доклассической формой являются Триосоната и Соната для скрипки и непрерывного баса. Крупнейшими композиторами, развивающими этот жанр были: А. Корелли, Д. Скарлатти; и во Франции – Ф. Купперен.

Сонатный цикл – многочастная сонатная форма, в которой хотя бы одна часть (обычно I) написана в сонатной форме.

Типичное строение сонатного цикла – IV части:



  1. Сонатное Allegro (драматический центр цикла);

  2. Медленная часть (лирико-созерцательная);

  3. Scherzo (до Л. Бетховена – «Менуэт»), носящее характер интермедии;

  4. Оживленный и торжественный финал – жизнеутверждающее завершение цикла.

Отдельные части объединяются общим замыслом (через борьбу, сложные раздумья и драму чувств – к победе). Встречаются сонаты в виде неполного цикла и одночастные, сохраняющие наиболее характерную часть цикла – сонатное Allegro.

Форма сонатного цикла определилась во второй половине XVIII века в творчестве И. Гайдна, В. Моцарта, Л. Бетховена и претерпела в дальнейшем значительные изменения.

Форма сонатного цикла применяется почти исключительно в инструментальной музыке. Если контата предназначалась для вокального исполнения, то соната – для инструментального.

Если сравнивать сонату с литературным жанром, то больше всего подойдет сравнение с романом или повестью. Подобно им, соната делится на несколько глав – частей. Подобно роману или повести, соната населена различными «героями»: музыкальными темами. Темы эти непросто следуют одна за другой, а взаимодействуют, влияют друг на друга, а иногда и вступают в конфликт.



Сонатное Allegro:

  1. Экспозиция (от латинского «Expositio» - показ) – завязка действия. В ней излагаются: главная партия (с некоторым развитием и связующей частью), побочная партия и заключительная часть (переход к разработке). Чаще всего эти партии контрастны.

  2. Разработка – драматический центр сонатной формы; сопоставление; столкновение и широкое развитие тем. Они расчленяются на короткие мотивы. Сталкиваются, переплетаются одна с другой, видоизменяются. В конце разработки состояние неустойчивости, борьбы достигает высшей точки – кульминации – требует разрядки, успокоения. Их приносит реприза (III).

В ней происходит повторение того, что было в экспозиции, но с изменениями, вызванными разработкой. Все музыкальные темы сонаты в репризе появляются в одной основной тональности («зеркальная»). Иногда завершает I часть кода. В ней проходят отрывки наиболее важных тем части, еще раз утверждается основная, «победившая тональность».

  1. Основная часть.

Соната C-dur, № 15, часть I

Композитор написал в 1788 году – уже в последний, венский период жизни, щедро вложив в сочинение, предназначенное для тех, кто начинает овладевать игрой на фортепиано, высокое вдохновение и мастерство.

I часть этой Сонаты хочется назвать «Весенней» - тонкие звукоподражательные штрихи, заставляющие вообразить, то журчание быстрых ручейков, то звонкое птичье щебетание. И лишь ненадолго (в небольшом, минорном разработочном разделе) сияние солнечных лучей затуманивается проносящейся тучкой.

Дети занимаются поиском стихотворений, которые послужат иллюстрацией характера музыкального произведения.

Ласково баюкающей вечерней серенадой звучит Аndante – средняя часть Сонаты. В спокойной ариозной мелодии первого раздела Аndante лишь едва проскальзывают неясные намеки на затаенную грусть.

Завершается маленькая «венская» Соната безмятежно – радостным Rondo.

Финал легкой «До мажорной» Сонаты – продолжает вводить несметное множество начинающих пианистов в вечно юный, светозарный мир музыки Моцарта.

I часть Сонаты C-dur (экспозиция) изучается в 5-6 классах музыкальных школ.

У каждого композитора есть круг свойственных ему эмоций, проецируемых и на его творчество. У Моцарта преобладают положительные эмоции, обуславливающие чувство ясного и светлого оптимизма. Мало у кого образы радости занимают такое место, как у Моцарта. Образец такого спокойного умиротворения мы видим в главной партии сонаты. Обилие приветливых интонаций, быстрота переходов от одного состояния к другому – это признак юности, пылкости, так свойственных такому времени года, как весна. В главной партии сонаты ярко выражена основная манера Моцарта, яркая мелодия.



Обучающийся проигрывает главную партию, при этом точно выделяя основную мелодию. Партия левой руки и «альбертиевы басы» должны звучать мягко, приглушенно. Полезно поиграть «альбертиевы басы» в аккордовом изложении для яркого выделения мелодии.

Стремительная смена различных музыкально-смысловых состояний требует от исполнителя способности к мгновенному переключению, перевоплощению, перестройке выразительных и пианистических средств. Об этом говорит связующий эпизод, который состоит из восходящих и нисходящих пассажей.

В 30-е годы XX века предпочиталось «легатное» исполнение Моцарта. В настоящее время складываются новые традиции в исполнении его произведений, близкие тем, которые имели место в эпоху Моцарта. Большинство пассажей исполняется отчетливой скороговоркой, преимущественно стаккато (или поко-легато). В то же время в зависимости от характера музыки возможно и более связанное исполнение, ассоциирующиеся с гибким вокальным интонированием. Неоднократно встречается в письмах Моцарта выражение: «Пассажи должны струиться, как по маслу». В любом случае интонационное строение должно быть ясно выявлено, пассажи у Моцарта мелодизированы.

Обучающийся показывает нисходящие и восходящие пассажи, проучиваем их приемом стаккато и нон-легато.

На артикуляцию произведений влияют вертикальные структуры: скачки расчленяются, обе ноты широкого хода играются весомо и значительно, секунды связываются. Артикуляция связана с ритмом и метром. Короткие лиги (характерные для Моцарта) связаны с единым дыханием фраз. Моцарт никогда не ставил фразеровочных лиг. О возникновении лиг на двузвучных интонациях («фигура вздоха»), относится еще к XVII веку. Опора на первую ноту и более укороченная и мягкое исполнение второй способствует выразительности оборота, часто выражающее страдание, слезы, скорбь или танцевальное движение. При коротких снятиях звуков очень важно движение пальцев по направлению «к себе», а не толчком, так писал А.Б. Гольденвейзер.

Темпы венских классиков выражали не столько скорость, сколько душевное состояние. Andante стало медленным темпом в XIX веке. В эпоху Моцарта оно представлялось довольно подвижным, «идущим». Allegro Моцарт трактовал в умеренных темпах. При достаточно подвижных темпах композитор использовал указание Presto или Allegro Assai. Поэтому в данной сонате выбрать темп поможет характер музыки, уровень подготовки обучающегося и ориентирование на быстрые пассажи в правой и левой руке.

Динамическая шкала венских классиков достаточно широка. Известно, что Моцарт писал оттенки для партии каждой руки. Обозначение crescendo и diminuendo не выставлялись, т.к. у исполнителей, восходящее направление ассоциировалось с crescendo и наоборот.

Излюбленный прием Моцарта – динамический контраст – форте (f) – пиано (p) - «эффект эха», мы можем наблюдать в начале побочной партии сонаты.

Надо отметить, что громкостная динамика у Моцарта требует известных ограничений (f Моцарта – это наше mf).

Некоторую сложность вызывает расшифровка мелизмов. Моцарт за всю жизнь не написал ни одного короткого форшлага, не определив с какой скоростью он должен исполняться. Он пишет форшлаг точно (четверть или восьмая). Если он перечеркивает форшлаг 1 раз (перечеркнутая восьмая), то должна звучать шестнадцатая и т.д. Лучше всего использовать в практике точную редакцию А.Б. Гольденвейзера или Urtext.

Трели у старых мастеров, как правило, игрались с верхней ноты. С главной ноты трели надо начинать, когда эта верхняя нота предшествует трели или когда трель поставлена на длинной выдержанной ноте. В этих случаях длинный звук надо взять и слегка на нем приостановиться, после чего начать трель с верхнего звука.

Кроме того, задача педагога объяснить обучающемуся значение дыхания (цезуры, паузы). Как писал А. Гольденвейзер: «Живое дыхание есть основной нерв человеческой речи, а, следовательно, и музыкального искусства, родившегося из звуков человеческого голоса».

Необходимо помочь ученику определить интонационные точки, т.е. точки тяготения, центральные узлы, на которых все строится.

Надо отметить эпизод «вопросно-ответной» структуры, который в этой сонате следует сразу за побочной партией. Этот прием характерен для стиля Моцарта. Паузы – это «моменты ожидания, удивления, растерянности». Смысловую нагрузку несет каждый элемент музыкальной речи.

Педаль. Известно три функции педали:


  • Звуковая;

  • Связующая;

  • Гармоническая.

Многие педагоги-исполнители добавляли художественную функцию, как красочное средство. Педаль же у венских классиков выполняет в основном первую функцию – звуковую. Типичные случаи употребления педали: на «тяжелый» такт; начало коротких лиг, трель, протяженные звуки и т.д.

Как писал И. Гофман: «Гораздо важнее знать, когда не употреблять педаль, чем когда ее употреблять. Мы должны воздерживаться от ее употребления всякий раз, когда возникает всякая опасность непреднамеренного смешения звуков».

В экспозиции целесообразнее педаль брать на украшениях (длинная трель) и на интонационных точках, т.е. точках тяготения (в главной партии и побочной).

В короткой разработке и в последующей репризе данной сонаты принципы работы остаются неизменными. Имеет смысл поучить «одинаковыми местами», т.е. главная партия экспозиции – в репризе и т.д.

Некоторую сложность вызывает момент перехода от разработки к репризе, т.е. от быстрых пассажей 16-ми к изложению главной партии 4-ными. Можно посоветовать ученику громко просчитывать вслух этот эпизод, пока обучаемый не почувствует музыкальный пульс этого момента.


  1. Подведение итогов. Саморефлексия.

Подводя итог можно сказать, что большое значение для развития ученика-пианиста имеет работа над Сонатой – одной из самых важных форм музыкальной литературы. В этой форме написаны произведения различных стилей.

В классической Сонате замечательно представлены главные особенности художественного наследия Моцарта – сочетание простоты и непосредственности в выражении чувства с поэтической возвышенностью и глубиной, оптимистическое и действенно-активное восприятие мира.

В музыке Моцарта устойчивость и ритмическая и психологическая. Работа над сонатами Моцарта должна быть творческой, знания особенностей стиля следует сочетать со стремлением к самостоятельному прочтению изучаемого.

Заполнение карточки:



Отметка

5

4

3

Я могу сформулировать основной принцип строения сонатной формы










Я могу контролировать точную педаль и аппликатуру в пассажах










Я смогла преодолеть технические сложности










Я поняла содержание и характер произведения











Я приняла активное и результативное участие в уроке











Моя отметка:





Домашнее задание: целесообразно проучить основные партии сонаты («одинаковые места»: главная партия в экспозиции – репризе). Гаммаобразные пассажи учить приемом стаккато и нон-легато.

И хотелось бы закончить такими словами: «В музыке Моцарта и детская непосредственность, и глубокая мудрость. У него искусство меры, умение дать почувствовать божественный свет, живущий в каждом из нас. Своей музыкой он говорит о том, что не важно, что происходит вокруг, лишь бы и в горе, и в радости светилось солнце!»

(Прослушивание современной интерпритации Сонаты C-dur, № 15 в переложении для двух фортепиано.)

Библиография:



  1. Алексеев, А. Из истории фортепианной педагогики. Хрестоматия. – Киев, 1974.

  2. Дельсон, В. Генрих Нейгауз / В – М.: Издательство Музыка, 1966.

  3. Гофман, И. Фортепианная игра. Ответы на вопросы о фортепианной игре / И. Гофман. – М., 1961.

  4. Гольденвейзер, А. Об исполнительстве // Вопросы фортепианного исполнительства // М., 1965.

  5. Гольденвейзер, А. О редактировании // Вопросы фортепианного исполнительства // М., 1965.

  6. Крюкова, В.В. Музыкальная педагогика. – М., 2002.

  7. Меркулов, А.М. Как исполнять Моцарта. – М., 2006.

  8. Токмакова, О. И. Стилевые особенности музыки В.А.Моцарта на примере работы над частью I сонаты a-moll в старших классах фортепиано. – Б., 2011.

  9. Хлудова, Т. О педагогических принципах Г. Нейгауза // Вопросы фортепианного исполнительства // М., 1965.


База данных защищена авторским правом ©uverenniy.ru 2016
обратиться к администрации

    Главная страница