Книга «Основы рисунка»



страница2/11
Дата14.08.2016
Размер1.97 Mb.
ТипКнига
1   2   3   4   5   6   7   8   9   10   11

Перо и тушь

Для выполнения рисунков подходит также перо. Тонкое стальное перо, используемое с тушью, дает на бумаге разнообразные линии и штрихи. В эскизах декоративных изделий перо можно применять для проработки мельчайших деталей. Особенности пера рисующий познает очень быстро. Ввиду невозможности исправления допущенной ошибки запоминаются и уже больше не допускаются неряшливость, поверхностное отношение к работе. Поэтому перо по праву можно назвать рисовальным инструментом, воспитывающим профессиональный подход к нелегкой изобразительной деятельности. Следовательно, рисунок пером дисциплинирует художника, является отличным средством для совершенствования изобразительных навыков вместе с тренировкой глаза и руки. Кроме того, перо наилучшим образом способствует выработке техники штрихового рисунка. Каждому из вас следует серьезно отнестись к этому техническому средству, чтобы понять замечательные достоинства штрихового рисунка.



Однотонная акварель

Техника работы акварелью привлекает тем, что акварельный тон позволяет сразу покрывать большую площадь бумаги и видеть изображаемый объект как пятно или силуэт.

Мы не говорим здесь об акварели, которую относят к технике живописи водяными красками. Нас должна интересовать техника рисунка однотонной акварелью, необходимая при выполнении эскизов в декоративном рисовании. В связи с этим рассмотрим такой замечательный инструмент, как кисть.

Кисти изготовляют из обработанного волоса (набирают волосяной пучок — остроконечный или тупоконечный, закрепляют специальным лаком его нерабочую часть, вставляют в металлический капсюль, который соединяют с деревянной ручкой, покрытой бесцветным лаком) хвостов колонка, белки, песчаника, барсука, куницы.

Лучшими кистями для акварели считаются колонковые, наиболее упругие и прочные среди других. Определить качество кисти весьма просто: если встряхнуть ее после опускания в воду и образуется острый конец, то инструмент готов к работе. Так должны выглядеть и кисти из волоса других животных, и чтобы они в дальнейшей работе сохраняли это качество, нужно уметь их хранить: не оставлять в краске по окончании работы, а хорошо промыть и встряхнуть или отжать воду промокательной бумагой, после чего завернуть в тонкую бумагу.

У каждого из вас для декоративного рисования должны быть две кисти: одна большего номера (размер пучка волоса), другая — наименьшего, необходимая для проработки мелких деталей эскиза. Например, круглые кисти № 2 и № 12.

В старину художники создавали с помощью кисти замечательные монохромные рисунки (техника работы краской одного тона, чаще серого — от темных до светлых оттенков). Мастера очень любили рисовать такими материалами, как бистр темно коричневого оттенка, (приготовлялся из каминной копоти и клея) и сепия (краска бархатисто-коричневого цвета, получаемая из чернильного мешка морских моллюсков — каракатиц), а также чернилами орешковыми тоже темно-коричневого цвета (изготовлялись из «орешков» — светло-зеленых или красноватых наростов на листьях некоторых видов дуба). Сейчас эти рисовальные материалы почти не применяют.

В наших условиях самым подходящим рисовальным материалом служит однотонная акварель — черная или коричневая. Работая акварелью, следует знать, что из себя представляет этот материал, каково его происхождение, как смотреть на него при создании произведений живописи или графики. Акварельная краска состоит из цветного порошка (пигмента) и связующего вещества — воды с добавлением растительного прозрачного клея (гуммиарабика или декстрина). Чтобы краска не пересыхала, в нее добавляют пластификатор в виде глицерина и инвертированного (измененного) сахара. Если бы в краску не добавляли также ряд других веществ, например бычьей желчи, фенола, то она на бумаге скатывалась бы в отдельные капли, а без антисептика плесневела и разрушалась.

Пигменты добывают и в природе, и искусственным путем. Например, есть земляные краски, к которым относятся различного оттенка охры и коричневые сиены и умбры. Красные, синие и желтые пигменты ярких оттенков производят в условиях химического производства.

Теперь следует сказать и о том, к чему же все-таки можно отнести акварельную технику: к живописи или к графике. И хотя это предмет специального разговора, касающегося окончательного решения давно возникшей проблемы, рискнем предположить, что все же эта прозрачнейшая, виртуознейшая и самобытнейшая техника тяготеет к графике. По всей вероятности, дело здесь в том, как и почему акварель связана с бумагой, белый тон которой просто обязан просвечивать через слой краски даже в самых темных местах изображения. Кроме того, акварель используют не только как живописную краску, но и как графическое средство для книжных иллюстраций. Конечно, есть чистая акварельная живопись, где художники решают совсем не графические задачи. В занятиях по рисованию мы будем пользоваться чисто графическими приемами акварельной техники, применяя в изображении какую-то одну краску — черную, коричневую или любую хроматическую.



Бумага

Работать любыми рисовальными инструментами следует на белой плотной бумаге с соответствующей зернистостью. Так правильно называется тип поверхности бумаги (в обиходе о том или ином листе этого материала говорят «лощеная», «шершавая», «шерохова­тая» и т.п.). Карандаш, например, требует шероховатой бумаги, а перо — гладкой, даже глянцевой.

Длительная работа карандашом возможна на бумаге, зернистость которой хорошо задерживает графитовые частицы и позволяет изображать фактурность предмета, т.е. когда рисующий в состоянии передать либо блеск стекла, либо бархатистость соответствующей ткани.

Учебные рисунки целесообразно выполнять только на белой бумаге. Декоративные изображения можно делать и на белой, и на тонированной. Любая иная бумага, будь то оберточная, газетная или для обоев, подходит для набросков, зарисовок.

Нельзя обойти вниманием и такой нужный предмет в руках рисующего, как резинка. Она применяется не только потому, что устраняет допущенные ошибки. Употребление резинки в процессе рисования связано также с удалением лишних линий, ослаблением тона. Нельзя превращать этот предмет в спасительное средство от неудач, ибо- оно мнимое: каждый, кто постоянно и поминутно хватается за резинку, рискует всегда быть неуверенным в себе и из-за неуверенности не достигнет успеха. Значит, резинка нужна, но применять ее надо умело. Она должна быть мягкой, чтобы не разрушить поверхность бумаги, и остроугольной для незаметного удаления вышедших за край следов штриховки и небольших пятен тона.

Знание материально-технических средств, бережное и правильное их использование имеют немаловажное значение в изучении основ изобразительной грамоты.



Виды рисунка

В связи с бурным развитием русского искусства в XVIII в. после преобразовательных реформ Петра I в национальном языке слово «рисунок» стало употребляться в его подлинном смысле. Древнее слово «риска» означало то, что мы сейчас понимаем под термином «линия» или «черта». На его основе и родилось слово, которым обозначают особую технику выполнения графического изображения.

Рисунки как изображения появляются на бумаге лишь с помощью таких изобразительных средств, как линии и штрихи.

Линия в изображении играет роль своеобразной границы, отделяющей форму предмета по его очертаниям (контурам) от других элементов, которые имеют свои отличительные признаки. Штрих, являющийся формально той же линией, но только короткой, прерывистой, несет в изображении функцию, необходимую для передачи объемности предмета (штриховка в рисунке создает впечатление правдоподобности формы и связи ее с окружающей средой).

Рисунок как изображение выполняют только от руки и на глаз. Что означает рисование от руки?

Специалисты некоторых профессий делают большое количество всевозможных наглядных изображений с помощью циркуля, линейки, угольников, шаблонов и т.п. Но вот создание изображения от руки выражается в способности человека не только иметь необходимую твердость руки, но и сохранять непосредственную связь мысли и глаза с двигательной активностью руки, что позволяет быстрее откликнуться на зримое решение возникшей идеи, замысла и выполнить рисунок значительно оперативнее. А для художника вообще нет никаких иных способов выполнения изображений, кроме как от руки и на глаз.

Рисование на глаз предусматривает прежде всего художественное освоение реального мира, приближение искусства к действительности. Такое изображение становится зрительным образом, понятным каждому зрителю.

Рисование на глаз развивает глазомер. У художника такая способность является весьма ценным качеством, помогающим правильно видеть форму.

Почему реалистический (правдивый) рисунок понятен каждому, даже вообще не посвященному в изобразительное искусство зрителю? Потому что правильно увиденная и правдиво переданная форма предмета или явления в рисунке наглядно представлена всеми внешними признаками, благодаря чему зритель видит ее и узнает.

Помимо вышеперечисленных особенностей у графического художественного изображения есть еще одна, пожалуй, самая значительная — выражение внутреннего содержания нарисованного объекта. Только в этом случае у зрителя возникают определенные ассоциации, происходит активная работа мысли, проявляются чувства. Главное в рисунке, как и в каждом произведении искусства,— содержание, но без совершенной формы оно не будет воспринято зрителем. Поэтому правдивость изображения, связь с содержанием, красота и гармония — вот краткая формула отношения художника к изобразительному искусству.

Выделив особенности рисунка, перейдем к рассмотрению его видов. Наличие разных видов указывает на отличительные признаки, по которым тот или иной рисунок классифицируется и определяется назначением, использованием, техникой выполнения.

Вы знаете, что рисунок с натуры — это изображение, выполняя которое мы наблюдаем и познаем объект, показываем на бумаге его внешний вид и изучаем одновременно его строение. Этот характер работы над рисунком, когда изучаются элементарные основы карандашного изображения, подсказывает, что речь идет о рисунке учебном, который, конечно же, отличается от рисунка творческого, создаваемого художником, имеющим профессиональную изобразительную подготовку.

Для учебного и творческого рисования используют наброски, зарисовки, этюды и эскизы.

До наших дней сохраняется поистине точное определение краткосрочного рисунка, каким является набросок, данное в книге Джорджа Вазари «Жизнеописание наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих»: «Набросками... мы называем вид первоначальных рисунков, исполненных для того, чтобы найти положение фигур и Первоначальную композицию произведения: они выполняются как бы в виде пятна и служат предварительным намеком на целое. А так как они набрасываются художником пером, иными рисовальными принадлежностями или углем в короткое время, в порыве вдохновения и лишь для того, чтобы проверить пригодность своего замысла, то они и называются набросками» (М., 1966. С. 93)

Выполняя набросок, художник использует основное изобразительное средство — линию, почти не прибавляя к ней ни штрихов, ни уточнений с исправлениями. Но более прорисованный набросок, иначе именуемый зарисовкой, включает легкую штриховку, а также растирку, имеющую цель передать в изображении впечатление объемности и освещенности объекта.

Еще более подробное изображение — этюд. Это результат тоже быстрого рисования, но здесь художник осуществляет работу, направленную на изучение предмета изображения и потому несколько длительную по времени исполнения.

Все графические изображения, которые выполняются художником, не являются, как правило, самоцелью: они составляют необходимую сущность жизни и деятельности творческого человека. Любой набросок, не говоря уже о других быстрых рисунках, становится для мастера живым материалом наблюдений, впечатлений, размышлений и обязательно когда-нибудь находит творческое применение. На основе данного изобразительного материала может возникнуть замысел, воплощение которого начинается с очень важного для художника этапа работы над будущей картиной или творческим рисунком — предварительного эскиза. Эскиз — также один из способов быстрого рисования, дает первое общее представление о произведении, основой чего сам оказывается.

Что касается использования непосредственно изобразительных средств, какими являются линия, штрих, тон, то рисунки подразделяют также на линейные и тональные.

Линейный рисунок выполняется не просто линиями, как это может показаться неопытному человеку. У художника даже линия становится свидетельством непрерывной работы мысли, выразившейся в рисунке разнообразным движением следов карандаша. И в чисто линейном изображении большой мастер способен передать дыхание жизни, движение, неустанное развитие.

Безусловно, линейные рисунки имеют свои неповторимые художественные достоинства, но все же выразительной трактовкой наиболее правдивого отражения действительности следует считать тональные рисунки, выполненные карандашом или каким-либо другим рисовальным материалом. Эта правдивость достигается передачей материальных качеств и пространственного положения предметов на основе тональных отношений, показать которые вполне возможно простым карандашом не в максимальном приближении к натуре, а в связи с пропорциональными ей градациями светотени.

Именно градации светотени, т.е. тональные отношения, создают в рисунке иллюзию жизненной правды, подобно тому, как в произведении живописи материальность и пространственность выглядят «настоящими» благодаря верно переданными художником светотеневыми отношениями.

Есть еще два вида рисунка, связанные с техникой выполнения и называемые либо оригинальными, либо печатными. Оригинальный рисунок художник выполняет в одном экземпляре, т.е. это творческий оригинал, ставший самостоятельным произведением изобразительного искусства.

Печатный рисунок иначе называют эстампом, что означает оттиск, и находит он свое выражение в виде различных видов гравюры и литографии. Гравюра — печатное воспроизведение на бумаге оттиснутых с вырезанных на деревянной плоскости и линолеуме изображений, именуемых теперь соответственно как ксилография и линогравюра. К гравюре относится также офорт, т.е. оттиск изображения, полученного художником-графиком на металлической поверхности (медной, цинковой и т.п.). Литографией является оттиск на бумаге с нарисованного специальным карандашом на литографическом камне изображения, травленного кислотами.

Все виды рисунка составляют выработанную художниками разных эпох и творческих стилей художественную систему, вылившуюся в самостоятельный род изобразительного искусства, который называют графикой, занимающей свое место в творчестве человека.



Композиция рисунка

Перед началом работы над рисунком возьмите чистый лист бумаги необходимого в соответствии с задачами изображения размера, прикрепите его к мольберту, заточите карандаши, никак не забывая о спасительном средстве при неудачах — резинке, и т.д. Перед вами натурная постановка, которую необходимо воспроизвести на бумаге. На листе в данное время ничего нет, кроме плоской и пустой белой поверхности. Ее предстоит заполнить образом натурной модели.

С чего же все-таки начинать работу? Конечно же, с размещения изображения именно на плоском формате бумаги. Казалось бы, начинай рисовать с какого-нибудь края модели, а дальше продолжай и, разумеется, следи, чтобы рисунок не становился большим или маленьким. Но не тут-то было: изображение не получилось сразу как надо, ибо в этом месте что-то не так, а в том размер оказался чуть больше, и т.д.

Композиция рисунка, проще — компоновка, — тоже искусство. Здесь требуется точно, выразительно расположить изображение в пределах формата. Нужно помнить, что от характера натуры зависит выбор формата, т.е. как расположить саму бумагу — по вертикали или горизонтали (на квадратных форматах в учебной практике почти не рисуют). Далее, каждый, кто начал рисовать, может наблюдать

интересное явление, возникающее при восприятии картинной плоскости (так называют любую изобразительную плоскость),— несовпадение зрительного центра с геометрическим центром листа бумаги или холста, натянутого на подрамник и загрунтованного для работы на нем красками. Начнем убеждаться в этом на следующем примере. Если согнем лист пополам по горизонтали, то увидим, что верхняя половина кажется большей, хотя знаем, что они абсолютно равны. Если же согнуть другой лист на две половины уже по вертикали, то покажется, что левая половина чуть больше. В чем же дело? В той особенности нашего зрения, которая вызвана психологией восприятия изображения более тяжелого, например по весу, внизу и более просторного справа. Нам легче посмотреть вниз и вправо, нежели наоборот. В связи с этими свойствами зрительного восприятия находится компоновка изображения, и об этом нужно помнить постоянно.

Но есть еще одна особенность нашего зрения, которая, вероятно, не возникла как результат мыслительной деятельности человека, а существует изначально, потому что она явилась следствием созданного самой природой таинства: от строения микрочастиц до ее венца — человека. Это основа прекрасного — гармония, о которой очень проникновенно говорил автор труда «Десять книг о зодчестве»: Леон-Баттиста Альберт и, старший современник Леонардо да Винчи: «Есть нечто большее, слагающееся из сочетания и связи этих трех вещей (числа, ограничения и размещения), нечто, чем чудесно озаряется весь лик красоты. Это мы называем гармонией, которая, без сомнения, источник всякой прелести и красоты. Ведь назначение и цель гармонии — упорядочить части, вообще говоря, различные по природе, неким совершенным соотношением так, чтобы они одна другой соответствовали, создавая красоту... Она охватывает всю жизнь человеческую, пронизывает всю природу вещей. Ибо все, что производит природа, все это соразмеряется законом гармонии. И нет у природы большей заботы, чем та, чтобы произведенное ею было вполне совершенным. Этого никак нельзя достичь без гармонии, ибо без нее распадается высшее согласие частей».

Не будет никакой ошибки, если скажем, что человеческий глаз стремится видеть окружающий мир в пропорциях так называемого «золотого сечения», и это стремление подкрепляется нашей врожденной способностью. Ведь каждый из нас несет в себе все осуществленные природой пропорции «золотого сечения» как в целом (работа мозга, сердца, режимы труда и отдыха), так и в частях (строение глаза, пропорции частей лица, руки, кисти и всего тела).

Человек и в прошлом, и ныне пользуется при создании гармонических произведений (строительных сооружений, статуй, фресок, росписей, картин и т.д.) многими пропорциями. Среди них «золотое сечение» имеет удивительные свойства: меньший отрезок так относится к большему, как больший ко всему Целому (иными словами, суть пропорции в том, что она отвечает такому делению целого на две части, при котором отношение большей части к меньшей равно отношению целого к большей части). Название рассматриваемой пропорции дал Леонардо да Винчи.

«Золотое сечение» не проявляется само по себе в композиции картины или рисунка. Здесь эту пропорцию соблюдает сам художник, ибо форма, в основе построения которой лежат сочетающиеся симметрия и «золотое сечение», становится по-настоящему организованной, способствующей наиболее ясному выражению содержания, легкому зрительному восприятию и ощущению красоты. Следовательно, при хорошем знании теоретических принципов «золотого сечения» можно смело использовать его в изображении (о том, как применять знаменитую пропорцию непосредственно в композиции рисунка, на страницах учебника будет сказано далее).

В решении задач расположения изображения на бумаге помимо проявляющихся особенностей нашего зрения и врожденного чувства пропорций нужно обучаться способности видеть композиционно. Что это такое? Вспомним, как, рассматривая что-нибудь, мы вынуждены переводить взгляд и на окружающую среду, тем самым соотнося с нею заинтересовавший нас предмет. Вот здесь и кроется начало композиционного восприятия, ибо главный объект нашего зрительного интереса находится в центре внимания, а окружение необходимо для определения предмета и его места в нем. Но еще лучше композиционность проявляется, когда перед глазами есть два или три предмета, расположенные так, что приходится выбирать при их рассматривании некий промежуточный центр внутри поля ясного зрения, чтобы охватить взглядом все увиденное в совокупности и таким образом объединить его композиционно. Умение видеть композиционно следует развивать, так как с самого начала занятий по рисованию все воспринимаемое нужно мысленно заключить в какое-то обрамление. Это означает, что «рамочное видение» образовалось вследствие работы с прямоугольными форматами бумаги. Формат тоже влияет на рисующего, дисциплинирует его, способствует собранности и постепенно приводит ко все более удачной компоновке изображений.

Итак, компоновку рисунка помогает продумать не только натурная постановка, но и выбранный формат бумаги. После этого нужно стараться выработать в себе способность мысленно представить будущее изображение на бумаге, т.е. увидеть его как бы уже готовым, причем даже в предполагаемой технике исполнения. Разумеется, не скоро вырабатывается такая способность, но если подойти к этому неординарно, с верой в свои возможности, то добиться его вполне по силам каждому.

Приступая к компоновке на листе, не торопитесь поскорее увидеть свой рисунок воочию, потому что неминуемо допустите композиционные ошибки. Компоновку следует начинать с общего вида натуры. Под этим подразумевается намеченный на бумаге легкий карандашный силуэт. Конечно, слово «силуэт» здесь не следует понимать в его настоящем значении. Так мы называем очерченное легким контуром плоское пятно чистой бумаги, очень отдаленно похожее на рисуемый с натуры предмет.

Начало работе положено, так как силуэт (плоское пятно) появился благодаря уже определенной вами композиции рисунка. Еще раз напомним, что натурная постановка сама в какой-то степени подсказала вам компоновку, а также ваша способность видеть композиционно. Следовательно, сам силуэт обозначил композицию будущего изображения.

После определения композиции силуэтом начинается работа, связанная с построением линейно-конструктивной основы предмета либо группы предметов. При уточнении самой композиции изображения рисующий должен осознать взаимосвязь всех деталей постановки и показать их вспомогательными линиями. Без такого выявления карандашом каждой детали трудно и, пожалуй, невозможно понять особенности строения формы.

Одновременно с этим этапом определения формы нельзя забывать о выявлении в изображении перспективных отношений. Передача в рисунке пространства идет вровень с композиционным построением.

Подведем общие итоги. Всякий рисунок только тогда имеет право на свое название, когда он скомпонован. Латинское слово «composition в переводе понимается как «сочинение», «составление», «расположение». Применительно к рисунку с натуры должны быть понятны слова «расположение» и «составление». Следовательно, рисунок сначала нужно расположить (разместить) на формате бумаги, чтобы изображение было закомпонованным. Такая компоновка представляет изображаемые предметы плоскими пятнами (силуэтами) с их пропорциональными отношениями друг к другу и к плоскости листа.

В последующей работе можно применить в отношении изображения и понятие «составления» рисунка. Здесь рисунок «составляется» из взаимосвязанных объема и пространства, что достигается передачей светотеневых отношений.

Таким образом, композиция рисунка предусматривает отражение сознании рисующего направлений выбора оптимальных способов изображения видимого мира на плоскости.



Понятие о перспективе

Практически ознакомиться с перспективой как наукой о законах изображения предметов на плоскости в соответствии с теми кажущимися сокращениями размеров, очертаний формы и светотеневых отношений, которые наблюдаются в натуре, — задача, стоящая перед каждым, кто учится рисовать с натуры, по памяти и по представлению.

Перспектива способствует выработке навыков такого изображения предметов и явлений видимого мира, которое соответствует нашему зрительному восприятию. Она относится к разделу начертательной геометрии и поэтому довольно сложна, требует специальной подготовки. Для изучающих основы изобразительной грамоты вполне подходят самые общие законы перспективы.

В окружающем нас мире мы на каждом шагу сталкиваемся с явлениями так называемой наблюдательной перспективы.

Возникновение перспективы как науки в эпоху Возрождения связано с тем, что художники столкнулись с проблемой передачи зрительного восприятия пространственных объектов и самого пространства на двухмерной плоскости. Созданная система перспективы (от лат. «perspicere», что в переводе означает «смотреть сквозь, правильно видеть») явилась полным решением проблемы и имеет значение до наших дней. Существует единый метод построения геометрии изображаемого пространства и моделировки формы, объема предметов, его заполняющих. До сих пор мы употребляем такие понятия и термины, как картинная плоскость, горизонт, линии схода, точка схода и т.д.

Почему перспективу называют наукой?

Выдающиеся деятели эпохи Возрождения, как известно, стремились расширить границы своих знаний. Они изучали труды древнегреческого математика Евклида, придерживавшегося теории зрительных лучей и геометризировавшего ее в виде построения пирамиды, вершина которой находилась в глазу, а основание — на поверхности рассматриваемого предмета. Художники античности знали перспективу (дошедшие до нас произведения мозаики и некоторые чудом сохранившиеся росписи доказывают это), но с появлением христианской религии надобность в передаче иллюзорного пространства отпала, а эпоха Ренессанса сделала открытие на основе «хорошо забытого старого».

Первым человеком, решившим проблему передачи зрительного восприятия на плоскость, был архитектор Филиппо Брунеллески. Он нашел способ оптико-геометрических построений, произведя сечение зрительной пирамиды Евклида картинной плоскостью и получив тем самым перспективное изображение предмета. Такие точные геометрические построения ренессансной системы перспективы отлично проиллюстрировал своими гравюрами Альбрехт Дюрер (рис. 7).

Искусствовед А. В. Бакушинский в своих «Исследованиях и статьях» писал: «Для всей психики этой эпохи прямая перспектива в искусстве — не только радостно открытый, но и ревниво оберегаемый закон зрительного восприятия мира. Перспективное построение картины по этому закону очень точно выражает собою определенную формулу взаимоотношения между миром и человеком. Применение прямой перспективы впервые дало художнику возможность решительного прорыва плоскости, помогло завоевать новое пространство — иллюзорное... Человек так, как никогда, утвердил свою власть над пространством воображаемым. Им с небывалой еще силой овладевает пафос беспредельного пространства, получая исход в утверждении человеком пространства творимого» (М., 1981. С. 44—45).



Рис. 7

Универсальные способности Леонардо да Винчи позволили ему стать теоретиком и в области перспективы. Участвуя в разработке учения о пропорциях и перспективного пространства, он высказал ряд мыслей, нашедших блестящее подтверждение современными исследованиями.

Не меньшее значение имели работы в области перспективы Альбрехта Дюрера. В трактате «Руководство к измерению» он применил геометрию объемных тел и теорию линейной перспективы дли построения фигуры человека в пространстве, передачи сложных ракурсов и движений.

Среди русских художников много времени уделил целенаправленным поискам в области закономерностей видения натуры на основе перспективы Алексей Гаврилович Венецианов, справедливо полагавший, что перспектива есть метод изображения реального предмета в конкретной среде и поэтому играет основополагающую роль в обучении художника рисунку и живописи.

Исследователь «вечных, незыблемых законов формы», воспитатель многих значительных мастеров русского искусства, Павел Петрович Чистяков считал, что умение рисовать и писать, тонко знать перспективу необходимо при любом таланте.

Перспектива считается наиболее наглядной формой изображения. 1рсние обладает способностью воспринимать расстояние, и умение видеть и быстро сравнивать отношение деталей к большой форме предмета составляет основу грамотного построения перспективного изображения. Особенность такого построения в том, что рисовальщик наглядно показывает предмет не в натуральных размерах, а в правдоподобных пропорциях. Поэтому ему приходится сочинять и компоновать предмет в изображении, добиваться достоверного перспективного сходства.

Рассмотрим общие стороны перспективного рисования.

Мы уже знаем, что рисунок предмета передает всего лишь образ этого предмета, что пространство, переданное здесь светотеневыми отношениями, всего лишь иллюзорное, и т.д. Вы создаете рисунок, выработав в себе понимание особенностей зрительного восприятия натуры, благодаря которому добиваетесь правдивого изображения, пользуясь всего лишь простым карандашом. Когда вы приступили к рисованию предметов с натуры, то уже, вероятно, уяснили, в каком все-таки виде они представляются зрению человека, т.е. получили необходимые сведения о наблюдательной перспективе.

Для ознакомления с наблюдательной перспективой рассмотрим основные правила этого зрительного явления. Без следования этим правилам мы не сможем выполнить ни одного рисунка с натуры. Нарисовать что-то сможем, но в глаза будет бросаться явное несоответствие изображения с натурной постановкой. Знание правил наблюдательной перспективы избавит рисовальщика от грубых ошибок, неизбежных при бездумном рисовании.

Первое правило перспективы основывается на кажущемся уменьшении предметов по мере их удаления от нас.

Действительно, если идти по тротуару длинного городского проспекта и смотреть прямо по курсу своего следования вперед, глазам откроется очевидность первого правила: одинаковые по высоте здания с наглядной четкостью уменьшаются в размерах, такую же сужающуюся стройность представляют собой деревья на обочине магистрали для транспорта и т.д.

Замечая подобное явление всюду, где перспективные закономерности четко проявляются, мы увидим, что карнизы и цоколи зданий, стволы и кроны деревьев, устремляясь вдаль до пределов видимого пространства, как бы сходятся между собой в некой условной точке. Здесь наблюдается, а при изображении на плоскости соблюдается второе правило перспективы: горизонтальные параллельные линии имеют одну точку схода, находящуюся на уровне глаза (на линии горизонта).

Еще одно правило перспективы заключается в том, что все вертикальные направления (заводские трубы, телеграфные столбы, стволы сосен и т.д.) в изображении выглядят вертикально.

Чтобы понимать закономерности перспективы, нужно хорошо знать, что такое поле зрения, точка зрения, картинная плоскость, линия горизонта, перспектива линий, угол наклона горизонтальных линий.

Приступая к рисованию с натуры какого-либо предмета, мы обращаем взор на постановку, и наша видимость (без перевода глаз, неподвижный взгляд на натуру) ограничена так называемым полем зрения. Рисующий должен так расположиться перед натурой, чтобы она попала в поле зрения и была хорошо видна.



Рис. 8

Постановка хорошо видна с определенного места. Это место и есть точка зрения, с которой рисовальщик начинает и заканчивает свою работу.

Картинная плоскость, в самом простом понимании,— обычный лист бумаги, на котором вы рисуете. На него надо перенести видимое глазом пространство, включающее натуру, сделав изображение. Еще понятнее о картинной плоскости скажет пример с окном, за которым мы видим часть необъятного мира. Если представить себе, что вы с одной точки зрения обводите на стекле тонкой кисточкой с черной тушью очертания видимых за окном домов, деревьев, облаков, то именно плоскость стекла в данном случае стала картинной плоскостью.

Интересное явление замечает каждый из нас, находясь, например, на берегу моря. Мы видим гладь воды, заканчивающуюся на границе с небом как бы линией удивительной прямизны, которую в эпоху Возрождения назвали горизонтом.

Но еще не менее удивительно и то, что линия горизонта все время находится на уровне наших глаз. Стоит нам присесть, «приседает» вместе с глазами горизонт. Взбираясь на гору у моря, мы видим горизонт в неизменности уровня глаз. Перспективный горизонт — та воображаемая или даже слегка намеченная в изображении горизонтальная линия, которую принято называть линией горизонта. Проведенная на рисунке, она играет основную роль в перспективном построении изображения.

Любой рисунок начинают с линий, и поэтому их положение в пространстве изображения различно. Недаром линии подразделяют на горизонтальные, вертикальные и наклонные.

Для лучшего понимания закономерностей перспективы, связанных с линиями, обратимся к примеру. Если мы встанем точно в середине между рельсами строго прямой железнодорожной колеи и будем видеть ее протяженность в условиях степной равнины до самого горизонта, то нам придется воочию убедиться в закономерностях положения линий в пространстве (рис. 8).

Таким образом, на примере рельсов и шпал можно убедиться в наклонности горизонтальных линий к горизонту. Поэтому при работе над рисунком всегда следует точно определить угол наклона горизонтальных линий.

Правила и приемы перспективного рисования следует закреплять на практике, ибо в процессе рисования с натуры усваиваются многие закономерности правдивого изображения предметов и явлений окружающего мира.


Каталог: static -> doc -> 0000 -> 0000 -> 0097
0000 -> Газета Международной Ассоциации Клубов Активной Жизни и Здоровья №3 февраль 2012г
0000 -> Гоголя 37, дом, который с теплотой и любовью вспоминают его сыновья Евгений, Геннадий, Юрий, Всеволод
0000 -> 8 класс Рассмотрите иллюстрацию
0000 -> Обухов Яков Леонидович
0000 -> 100 лет со дня начала Первой мировой войны
0097 -> Восприятие предмета и рисунка Н. Н. Волков часть первая. Проблемы к выводы
0097 -> Дневники. Письма. Трактаты Дюрер Альбрехт Том 1


Поделитесь с Вашими друзьями:
1   2   3   4   5   6   7   8   9   10   11


База данных защищена авторским правом ©uverenniy.ru 2019
обратиться к администрации

    Главная страница